La colline aux coquelicots, deuxième film de Goro Miyazaki, s’inscrit dans cette thématique, en se basant sur un manga shojo du même nom paru en 1980 au Japon (et chez nous depuis janvier chez Delcourt/Akata, en 1 seul volume en plus, rha ça pousse à la consommation ça >_<).

L’histoire de La colline aux coquelicots repose sur Umi et Shun, qui se découvrent grâce à un poème au coin du journal de leur lycée.
Umi est une jeune fille discrète qui s’occupe d’une sorte de pensionnat réservé aux femmes, au sommet d’une colline verdoyante en face de la mer. Tous les matins et tous les soirs, elle prépare les repas pour les trois pensionnaires et deux membres de sa famille, sa grand-mère et sa soeur. Les deux filles, orphelines de père, sont habituées à rester avec leur grand-mère, car leur mère, universitaire, part souvent à l’étranger.
En l’honneur de son père, marin décédé pendant la guerre de Corée, Umi monte tous les matins deux pavillons marins sur un mât devant la maison (bien visible par les bateaux qui navigent en contrebas) et les descend le soir… Là commence sa relation avec Shun. En effet, celui-ci, qui vient tous les jours au lycée par bateau avec son père et passe devant la maison d’Umi a bien remarqué les drapeaux qui flottent tous les jours. Il y répond par les siens, sans que Umi les aperçoive, car elle prépare le petit déjeuner.

Cette situation peut durer longtemps, surtout si on ne fait pas d’omelettes avant… Le poème dans le journal de l’école est l’élément déclencheur de l’histoire et de l’attirance entre les deux jeunes gens, mais aussi le prétexte tout trouvé pour faire découvrir au spectateur le Quartier latin, autrement dit le foyer du lycée, d’extérieur assez baroque (bon, ok, l’endroit est plutôt vieux et délabré en fait xD). Umi va découvrir à l’intérieur tout un univers, géré par les étudiants actuels du lycée, qui gardent également assez jalousement tout le fatras laissé par les anciennes générations. Le directeur actuel, peu sensible à toutes ces traces du passé, veut tout raser pour construire un foyer neuf.

Le représentant des élèves, qui gère avec Shun le journal du lycée, décide de ne pas se laisser faire et de riposter face à cette attaque, tout en entraînant Umi dans l’action projetée… Avec effet collatéral de les rapprocher l’un de l’autre.

Ce film m’a beaucoup plu, par son intrigue simple (j’avais envie de choses simples) mais limpide et assez prévisible. Donc, si vous cherchez un film à l’intrigue recherchée, vous serez déçus. La colline aux coquelicots n’a pas pour but d’en mettre plein la vue au spectateur avec des retournements de situation ; les lecteurs assidus de mangasses pour filles auront sniffé à 3 kilomètres la grosse corde qui sous-tend le film. Corde parfumée au coquelicot, ce qui ne gâche rien :p

En fait, l’intérêt du film n’est pas tant à chercher dans l’histoire que dans la description de la vie quotidienne dans les années 60. Umi qui prépare le riz du matin juste après son réveil, son arrivée dans les vieux bâtiments du lycée, tous en bois, ses relations avec les adultes, le foisonnement de la vie lycéenne (les révoltes étudiantes de la fin des années 60 ne sont plus très loin) tout cela emprunte à la nostalgie d’un autre temps qui n’existe plus. Enfin, si tant est qu’elle existe vraiment! Le réalisateur, Goro Miyazaki, est né après les évènements décrits dans ce film (en 1967), que l’on peut facilement situer aux alentours des années 1962-1963. Le réalisateur n’a donc pas vécu cette période juste avant les J.O. de Tokyo en 1964 et a largement inventé ce que devait être la vie quotidienne de cette époque. Voir une montre au poignet de Shun (ça m’a choquée en fait xD), des embouteillages dans les rues (la voiture coûtait CHER à cette époque, un rein ne devait pas suffire je pense), des relations aussi informelles entre garçons et filles ne doit pas ressembler au vécu de cette époque (à moins que je me trompe lourdement).

Toutefois, ce mélange entre la vie réelle et imaginée de cette époque ne choque pas du tout et conforte cette impression de rêve éveillé colportée par le Quartier latin. En effet, cette caverne d’Ali-Baba, qui fait fortement penser à l’auberge du Voyage de Chihiro, accueillant à la fois de grands rêveurs, des pragmatiques et des doux dingues de toutes sortes, est le pilier du film. Sa destruction programmée, comme un rappel à la dure réalité et aux changements drastiques qui ont lieu à cette époque (reconstruction du pays, industrialisation, recherche du profit et de la croissance), est largement refusée chez les héros du film (à contre-courant de la majorité des lycéens, d’ailleurs, montrant l’ambivalence idéologique de cette époque), qui vont tout faire pour que le rêve de plusieurs générations passées de lycéens reste bien vivace, placées sous le symbole d’un nom porteur de culture. J’ai beaucoup aimé l’ambiance qui se dégageait de ce foyer, qui porte bien son nom (à l’époque, les valeurs de l’Occident étaient valorisées et étudiées au Japon, dont celle de la France, pays d’artistes et de création… Je crois que ça a un peu changé depuis, même si chez certains, la France reste un pays mystique, LOL)

J’ai aussi cru remarquer qu’à travers ce film Goro Miyazaki essaie de faire passer un message, à la fois en direction des spectateurs que du studio Ghibli. En effet, le message du film est un message d’espoir et de renouveau à travers la jeune génération, qui a compris le passé et construit son futur sur ces bases anciennes. Est-ce un message du fils aux fondateurs du studio et au public, en disant “j’ai bien compris ce qui n’allait pas dans mes débuts, j’ai appris de vous et prends par ce film l’héritage de tout le studio”? (même si j’ai l’impression que ce film est moin bien fait niveau animation, ça lag sur les passages fixes avec trucs qui bougent dedans )
Le film emprunte en effet à la fois aux films de Takahata comme Souvenirs goutte à goutte. Comme si La colline aux coquelicots répondait aux évènements survenus dans l’enfance de l’héroïne de Souvenirs goutte à goutte et se plaçait en chaînon manquant entre ce film et Le Tombeau des Lucioles. Les hommages à Miyazaki sont aussi nombreux (attention, papa est au scénario, faut faire attention hein è_é), notamment l’apparence du Quartier latin, avec un foisonnement typique de Miyazaki, une des pensionnaires clone de Lettie Chapelier dans Le château ambulant… Mais surtout le gros “GHIBLI” inratable sur le bateau de l’ami d’enfance du père de Shun et d’Umi (ça m’a fait penser à Porco Rosso) qui marque le film de façon indélébile et le place d’office dans la lignée des films du studio.

Bref, beaucoup de choses à dire sur ce film, qui marque un tournant dans la production Ghibli, mais est aussi un très bon film à voir au cinéma. Il est d’ailleurs encore à l’affiche, courez-y vite et en VOST bien sûr, hein!
Je n’ai pas lu le manga dont est tiré ce film, il faudrait que je le trouve… Enfin, là je suis occupée à réduire mon retard sur One piece et en sommeil, ça risque de prendre du temps o/

Madoka est à peu près un anime dont tout le monde a parlé ce printemps, moi y compris. Pas sur ce blog, mais sur twitter et à des amis, parce que le début de cet anime m’avait fait forte impression, par exemple l’épisode 3 et ses suites. Et là, je M’EN VEUX. parce que j’ai, directement ou indirectement, contribué à faire voir cet anime à des gens, que je l’ai conseillé, fait partie d’un buzz, été utilisée comme un vulgaire mouchoir en papier par les créateurs de cette série pourrie qui ont joué avec mon pauvre coeur en manque d’animes à voir et me l’ont massacré sans ménagement. Je dois reconnaître qu’ils ont bien fait leur boulot…
Je m’en veux d’avoir attendu la fin comme une abrutie ; comme, en fait, la moitié de la planète, pendue à ces sacro-saints épisodes, comme une mouche accrochée à de la merde bien fraîche. La seule chose qui m’a fait regarder ces épisodes en décalé est le fait que j’ai enfin réussi à retrouver un boulot jute avant la diffusion de ces épisodes, comme d’hab un boulot bien crevant qui m’a fait passer le sommeil et la nourriture en premier.

Parce que, finalement, Madoka aura chez moi le statut d’anime moyen. Ce qui est, en fait, pire que le statut d’anime hyper top ou tout bouseux : moyen, ça veut dire qu’on ne s’en souviendra pas, ou du moins que je ne m’en souviendrai pas, parce qu’au final je n’aurai ni adoré ni détesté. Madoka, pour moi, avait un potentiel tellement énorme que le dernier épisode contrebalance à lui tout seul le reste de la série, pour arriver dans la zone grise dépressive du rien, du vide, du néant, de la vacuité la plus absolue.

Car, il ne se passe rien dans Madoka. Rien, rien rien… En fait, on va me dire que si, parce que Madoka a changé les règles du monde, tout ça, avec son petit coeur plus gros qu’une maison. Certes, mais c’est d’un banal…
[mode rage : ON] Merde, j’ai payé pour avoir du sang, moi! Voir Kyubey qui exulte et boit le sang de Madoka ou Homura et se nourrit de leurs tripes, ou l’inverse, mais pas pour un truc gnangnan qui nous fait regretter d’avoir osé poser ses yeux dessus! Pas pour une fin où la ficelle est tellement grosse qu’elle est sniffable à 3 kilomètres à la ronde par un spectateur sachant à peu près réfléchir et qui a vu assez de Derrick dans sa vie pour réfléchir plus vite que lui!
Parce que ouais, pour moi Madoka c’est un peu le Derrick de l’anime : tu sais qu’elle va devenir une puella (bon, j’adore vraiment pas le latin, mais dans les animes, LOL) magi, tu sais même QUEL UNIFORME ROSE elle va avoir, ses pouvoirs, tout ça, puis qu’elle veut protéger le monde et finir le principe des witches parce qu’elle est tellement trop conne qu’elle ne veut rien et n’aime personne en particulier, mais tu dois attendre 11 EPISODES et des putains de massacrages de personnages secondaires plus charismatiques que l’héroïne pour que ça se produise réellement, pour donner… Que dalle. Tout ça pour un putain de twist scénaristique hyper éculé depuis Haruhi (et même depuis avant Haruhi en fait, même CCS a fait mieux, mais là je suis trop crevée pour aller chercher une référence dans mon cerveau et j’ai pas les idées en ordre). Parce que Madoka elle devient tout, puis en plus elle flotte dans l’espace, elle est trop forte, puis personne ne se souvient de Madoka, même pas ses parents, parce que les gens n’ont pas de cerveau. Un peu comme dans la réalité, en fait.[mode rage : OFF]

En fait, ma plus grande déception a été de voir qu’on ne propose rien d’original, de nouveau à l’intérieur du genre des magical girls et que Madoka a juste été une tentative de jouer avec les codes du genre, mais sans les remettre en question plus que ça au final. Kyubey a été une grande idée, mais ce personnage est largement sous-exploité et ne donne pas toute la force qu’on aurait pu attendre de l’alien. Il reste à l’écart des autres, il se démarque par un discours qui fait froid dans le dos genre “en fait vous êtes du bétail, j’en ai rien à battre, mais si vous pouviez vous entretuer, ça m’arrangerait”, mais c’est tout. Homura, en se postant comme marchepied pour sa copine Madoka (qui n’en a rien à battre d’elle pendant 11 épisodes, hein) est à mon sens le seul personnage valable de la série, face à une Madoka quasiment absente et franchement à la limite de l’énervement.
L’histoire, un brin novatrice quand même, montrait de la magical girl sous un angle nouveau (enfin, pour moi, j’ai jamais accroché à ce genre, j’en suis restée à Doremi, Tutu et les vieilles pointures du genre… La honte). L’épisode 3 est comme une piqûre de rappel glaçante du malaise que j’ai eu en regardant l’épisode 1, face à une mascotte étrange (Kyubey) qui n’a pas de bouche et reste FIXE sur l’image comme un lampadaire dans le décor.
L’épisode 10 nous promettait un final grandiose, comme l’éclatement d’une bulle, une mue d’un vieux genre qui aurait besoin d’une nouvelle peau, plus grande, plus éclatante. Au final, il n’en a rien été, comme pour Tutu en somme, parce qu’on a préféré laisser parler le côté cache-sexe du “pour fille” rose et fédérateur. Le truc du “je veux sauver tout le monde” est un grand classique du genre, resservi jusqu’à l’imbouffable et c’est justement en voulant rester dans les crans du regardable que Madoka en devient indigeste. La série s’est tout simplement effondrée sur elle-même, comme un soufflé, en 1 épisode, STRIKE, BRAVO LES GARS. A la limite, Madoka a plus repoussé les limites du troll qu’autre chose. Vous me direz, c’est déjà ça….

Bref, je me sens flouée d’avoir participé à un truc qui n’a mené à rien, d’avoir fait de la promotion du vide et de l’inexistant. Madoka m’a toutefois servi de piqûre de rappel : je ne parlerai plus d’animes encore en cours, j’attendrai d’avoir la fin… Histoire de de pas raconter de conneries à des amis qui me font confiance pour éviter les animes pourris. Merde.

Non, là je vais parler de 2 OAV hentai, sorties il y a de cela 13 ans au Japon, sous le titre Beyond. Ces OAV sont un OVNI à peu près complet ; ne les cherchez pas sur ANN ou ANIDB, elles n’existent pas. J’ai trouvé l’info de base sur ces OAV uniquement sur MyAnimeList, donc le fait même qu’il n’y a que 2 OAV est susceptible de changer.
Elles sont maintenant trouvables un peu partout en fansub, je vous laisse donc le plaisir de les découvrir ; après tout, nous sommes pas très loin du week-end de Pâques et la traditionnelle quête des oeufs de pâques. D’ailleurs, le principe des Easter eggs se retrouve dans un épisode absolument horrifique de la série Doctor Who, avec l’espèce des Anges pleureurs dedans. Dieu sait que je déteste les Anges pleureurs, qui me foutent une frousse de tous les diables, parce que rien que le fait de penser que quelque chose puisse bouger uniquement quand vous ne la regardez pas, moi ça me fout la chair de poule. Où en étions-nous? Ahem, je me suis un peu emportée, je crois.

Donc oui, Beyond, série de 2 OAV produite par le studio Pink Pineapple, bien connu des regardeurs d’animes hentai. C’est plutôt un gage de qualité et ces OAV, si elles ne sont pas forcément hyper mémorables, sont à voir au moins une fois dans sa vie. Pour ceux qui connaissent, c’est un peu comme Photon, quoi. Des OVNI (Objet Visuel Non Identifié) qui ne servent pas vraiment à la culture générale, mais existent et sont fansubbés juste pour la satisfaction du nerd vissé à son écran. En gros, un truc rare.

Car les deux OAV constituant Beyond sont effectivement rares, bizarres, un peu débiles et pondues par un studio qui avait visiblement du temps à perdre en grosse quantité. Elles sont basées sur un jeu hentai réalisé par élf et qui visiblement date d’à peu près la même période que les OAV au vu des spécifications de système d’exploitation (désolée, je lis pas un mot de japonais, à part les onomatopées “aaaaaaa” et “n” utiles à la compéhension des doujins yaoi de base). Donc je n’ai pas joué au jeu, mais il m’aurait bien plu je pense, surtout au regard de l’histoire. Car oui, Beyond a une histoire.

L’histoire de Beyond m’a énormément plu, même si elle est un petit peu compliquée pour un jeu hentai et les OAV associées. On assiste tout simplement au réveil de la créature la plus puissante de l’univers tout entier, ze bon gros méchant qui se respecte, qui atomise des systèmes entiers quand il s’énerve, bousille des planètes quand il tousse et viole des vierges à tour de bras : Satan en personne, mesdames et messieurs. Du moins, c’est ce que lui raconte une charmante prêtresse (celle avec le machin bleu sur le front qu’on peut voir sur la jaquette du DVD) qui s’autoproclame son esclave, dit qu’elle est là pour le réveiller et commence à lui faire, hum, une gâterie de réveil.
Satan est un peu dubitatif tout de même car il ne se sent pas très, comment dire, “méchant” au fond de lui, mais se laisse faire par la bouche de la charmante demoiselle, qui continue en faisant des cochonneries interdites aux moins de 18 ans.

Et là c’est le drame : déjà, il aime ça, puis en plus il ouvre un peu trop grand la bouche, faisant jaillir une sorte de laser qui atomise un système entier dans le ciel. Ca fait joli, certes, mais Satan est un peu désemparé quand son esclave lui dit ce qui s’est réellement passé… Devant la prêtresse qui ne comprend pas en quoi des milliards d’êtres vivants assassinés et plusieurs planètes réduites en cendre est un truc important, Satan essaie d’expliquer, dans un dialogue plein d’espoir et de métaphysique, ce qu’est l’amour. L’amour de son prochain, l’amour physique, l’Amour, quoi! Et comme la prêtresse ne comprend toujours pas, il lui propose de l’emmener en voyage et lui faire découvrir ce qu’est l’amour. Car même si notre héros est Satan, il ne se souvient plus de sa vie d’avant (il espère tout de même qu’il était gentil dans sa vie antérieure) et espère, par son voyage dans la galaxie -ou ce qu’il en reste-, retrouver sa véritable identité.

Sans déconner, j’ai bien rigolé pendant le visionnage de ces OAV. Et je me dis que si j’avais fait un peu attention, j’aurais peut-être pu voir un bout de Lina Inverse ou de Tylor dans les décors. Car Beyond est un anime très, très drôle. Satan est un bon gros gentil à tête d’Eva qui aurait abusé de greffes d’yeux, se serait pris un truc sur la tronche et aurait un bonne grosse gueule de bois. Les autres personnages, un brin hystériques (excepté la prêtresse), donnent l’impression que les scénaristes en ont fumé de la bonne. Les situations sont à mourir de rire, tellement elles sont absurdes. Beyond est du bon vieil anime, qui respecte justement les codes des vieux animes comiques. Et bordel, qu’est-ce que ça fait du bien, de temps en temps, de retrouver les bonnes vieilles gouttes de sueur, les situations à deuxballes, les explosions, les mimiques débiles…

Les voix sont sympas aussi, avec notamment une doubleuse à la voix un peu cassée de fumeuse qui me fait parfois des frissons dans le dos, tellement on ne trouve plus de personnages à la voix adulte et particulière dans la production actuelle.

“Mais attends, t’as mis une balise NSFW, on est dans un anime hentai, là! Le comique, c’est pas ce qu’on recherche!”

Justement, niveau action, après cette métaphore éjaculatoire dans les premières minutes, le visionneur de ces OAV est un peu perdu. Certes, on a vu des boobs, puis un truc brillant assez long, puis, hum, des mouvements suspects de la part de la représentante de la gent féminine. Mais on est en droit de se dire, avec raison, un truc du genre “il y a une PUTAIN D’HISTOIRE DANS MON HENTAI!” L’histoire, c’est bien joli, mais ça diminue d’autant les scènes de Q…. Beyond date de 1998, une époque où l’aspect “cul pour le cul” était moins développé que dans les animes récents, mais cette série ne peut pas être décemment mise dans le panier des animes H sans faire grincer des dents. Et ce même si Satan arrive à se constituer un harem de filles prêtes à tout pour lui (ou pas).

Car Beyond n’est pas fait pour fap. Il y a quatre scènes en tout, qui sont bien faites, bien animées, bien amenées, mais celui qui aura téléchargé cet anime pour se faire plaisir en même temps sera déçu. Déjà, il y a une censure à la truelle assez atroce : les fameux petits carreaux sont de sortie, nombreux, bien denses, à vous dégoûter de la vie. Ensuite, les scènes sont assez courtes. Elles sont bien faites, mais c’est comme aller voir des statues de gens nus au musée : sympa, sans plus. En plus la tronche du personnage principal aide pas mal à tuer toute pensée érotique. Il ne faut donc pas voir Beyond dans une optique purement “hentai” sinon c’est l’assurance d’être déçu…

En conclusion, Beyond est une bonne série, qui remplit bien son rôle d’OVNI : ce n’est pas une série comique, ce n’est presque pas du hentai ; c’est un mix bizarre entre des choses qui n’auraient pas dû se rencontrer mais qui vont hyper bien ensemble. Personnellement, j’ai adoré, en plus les cochonneries entre le héros et les héroïnes sont toujours consenties, ça change et fait un peu de bien après des visionnages d’animes H avec viols en série.
Le seul point noir de la série d’OAV est en fait son absence de fin… C’est ce qui me pousse à dire qu’il n’y a pas que 2 épisodes, ce n’est pas POSSIBLE. J’aimerais bien jouer au jeu pour voir ce qu’il se passe ensuite, mais sans traduction en anglais, ça va être court pour moi.

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Il était une fois, dans un château magnifique ressemblant pas mal au château-logo Disney, un roi et une reine qui attendaient leur premier enfant. Tout allait bien, jusqu’à ce que la reine, enceinte, tombe gravement malade. Aucun des remèdes n’était efficace ; il lui fallait un breuvage fait d’une fleur miraculeuse, jalousement gardée par une sorcière qui s’en servait pour rajeunir. Le royaume fut mis sens dessus-dessous pour trouver la fleur, qui, une fois trouvée, fut coupée et offerte en décoction à la reine. Elle se remit aussitôt de sa maladie et accoucha peu après d’une magnifique princesse aux cheveux dorés, Raiponce. Mais la sorcière, dépitée de la perte de sa source de jouvence, n’avait pas renoncé. Une nuit, la sorcière s’introduisit dans la chambre de la jeune princesse pour l’enlever et ainsi s’approprier un peu des pouvoirs de la plante, qui étaient passés dans les cheveux d’or de Raiponce. Enfermée dans une tour sans porte, tenue dans l’ignorance de son ascendance royale, Raiponce grandit uniquement pour servir de source de jeunesse à la sorcière….

Pour vous rassurer, je n’ai pas encore vendu mon âme à Disney, mais je viens de regarder Raiponce en DVD et je suis littéralement tombée sous le charme de cette adaptation. Je trouve que pour une fois Disney a fait un énorme boulot pour un résultat extraordinaire et le but de cet article et d’y rendre un peu justice.

Déjà, le conte initial est respecté, mais remis au goût du jour. Fini le conte de Grimm “populaire”, terre à terre et assez sanglant (le prince qui venait chercher Raiponce est aveuglé par la sorcière et Raiponce n’est pas totalement innocente, ahem), place à une adaptation qui renverse les rôles et colle plus aux aspirations de notre époque. Bon, ça reste quand même du Disney, hein, faut pas s’attendre non plus à un truc révolutionnaire. Mais rien que nommer l’adaptation “Tangled” et non bêtement “Raiponce” comme on l’a fait par chez nous (bouuuuh franchement, ça c’est de l’adaptation pourrie) souligne l’effort de Disney de se démarquer du matériau original, comme si on se souciait moins du support original que du personnage qui apparaît sur l’écran au final, les dissociant de fait.

Déjà, Raiponce est princesse. Ca, ça en jette. Enfin, ça en jette sauf quand on ne le sait pas, comme l’héroïne. Elle vit donc sa vie de recluse avec les moyens du bord et il faut reconnaître que le personnage de Raiponce est loin d’être nunuche. D’accord, on la présente comme la jeune fille qui sait tout faire : lire, cuisiner comme une déesse, chanter, dessiner, etc, mais il y a un petit détail qui fait mouche : elle sait se servir de sa chevelure pour autre chose que faire l’ascenseur à la sorcière, quasiment comme une troisième main à distance. Une comparaison avec Luffy de One Piece n’est pas superflue. Sisi. Sauf que la chevelure n’est pas rétractile, elle .
En plus d’être débrouillarde, Raiponce EST intelligente et finit par comprendre sa destinée par elle-même, ce qui est assez rare pour être souligné.

Donc fini la jeune fille lambda enfermée dans sa tour, qui fait passer le temps comme elle peut, passivement et se fait engrosser par le premier prince venu, Raiponce est un battante et ça se voit notamment par… sa maîtrise de la poêle à frire. Cet instrument de la ménagère parfaite devient un élément récurrent de blagues potaches, détournant cet objet symbole de la Raiponce du conte original en une arme ma foi très redoutable pour la Raiponce moderne. Les combats épée/poele à frire sont très bien faits à cet égard.

De même, fini le jeune et beau prince qui vient sauver Raiponce sur son cheval, l’engrosse et finit par l’épouser. Là, c’est l’héroïne qui choisit son destin toute seule, en faisant la rencontre de Flynn Rider, un bandit notoire (so long pour le beau prince sur son cheval blanc…) qui devient LE prétexte pour faire avancer l’histoire.

Enfin, plutôt, c’est Flynn Rider qui fait la connaissance de Raiponce (et sa redoutable poele à frire). La scène de leur rencontre est à mourir de rire : le pauvre Flynn (qui a un nom à la con genre Errol Flynn, je ne crois pas que le choix a totalement été fortuit) est tout d’abord assommé, puis enfermé pour être finalement interrogé par Raiponce, qui dirige l’interrogatoire à la manière d’un film policier. Le fait que Raiponce dirige l’interrogatoire et que toutes les méthodes de Flynn pour la draguer ne réussissent pas est emblématique du film : Raiponce EST l’héroïne, c’est elle qui décide jusqu’au bout où elle veut aller et ce n’est pas Flynn ou sa “mère” qui l’empêcheront de vivre son rêve.

Son rêve qui est d’aller voir, pour ses 18 ans, les lanternes que le roi et la reine lancent chaque année en l’honneur de l’anniversaire de leur fille disparue.

Pour cela, elle décide de partir de sa tour, après avoir fait un contrat particulier avec Flynn (je vous laisse le découvrir :p), en ignorant qu’il n’a pas que des amis, mais qu’importe! La magie Disney est là et elle va finalement se faire des amis, des vrais, entrer dans le royaume et… Bref, pas plus de spoils, chut :p

Y a t-il des passages chantés dans cette adaptation? Oui, plusieurs. Passée une première frayeur sur le début de l’histoire, quand Raiponce commence à chanter sur sa vie quotidienne, on s’aperçoit pourtant que ceux-ci sont peu nombreux comparés à d’autres films Disney, sont moins longs et sont cantonnés à des moments précis, marquant des phases de l’intrigue ou aidant à situer des personnages. Une petite surprise donc, également parce que les passages chantés en français (oui, je l’ai vu en français, avec un doublage aux petits oignons, ma chère) sont loin d’être culculs, ce qui fait du bien. L’inévitable mascotte, un petit caméléon, est toute mignonne et n’est là que pour l’effet comique (et pour l’interrogatoire de Flynn ). En effet, il ne parle pas, donc ça évite tous les trucs lourdingues des adaptations Disney dans le passé.

Pour finir, juste un mot sur Maximus, le cheval. Un de mes personnages préférés (oui, vous avez bien lu “personnage”), Maximus est un des plus gros délires made in Disney que j’ai jamais vus. J’en veux un comme ça pour mon anniversaire *_*

En conclusion, j’ai été vraiment bluffée par ce film, qui montre bien l’aspiration de Disney de faire des films d’animation moins connotés pour les enfants, plus légers et regardables autant par les adultes que par les plus jeunes. Un petit coup de lifting bienvenu pour le studio, au moment où l’offre animée se diversifie énormément et où les nouveaux films Ghibli peinent à faire oublier la grande époque de Miyazaki.

Princess Tutu est un anime décidément complexe, aux multiples lectures et interprétations. Mon but, dans cet article, est d’en offrir une, qui ne siéra qu’aux personnes ayant déjà vu l’anime, puisqu’elle spoile pas mal. Mais si vous voulez rester pour lire la suite, à votre aise. Je ne dévoile pas grand-chose du déroulement de l’anime, juste de ce qui s’y passe :p (comment ça c’est pire?). Pi si vous n’êtes pas d’accord, il reste les commentaires ^^

Pour la suite de cet article, il est nécessaire de faire un petit rappel d’intrigue. Ahiru, jeune canard (on peut dire “cane” parce que c’est une fille), est attirée par Mytho, un jeune homme qui a l’air d’un prince mélancolique. Elle apprend ensuite qu’il n’a pas de coeur et décide de l’aider à lui rendre, mais en est bien incapable, puisqu’elle n’est qu’un canard! Apparaît alors un étrange monsieur, Drosselmeyer, qui lui promet de lui donner une apparence de jeune fille pour qu’elle puisse aider Mytho. De plus, un petit pendentif rouge permettrait à Ahiru de devenir Princess Tutu, qui a le pouvoir d’agir sur les morceaux de coeur du prince disséminés ça et là. Mais Ahiru, en acceptant l’offre de Drosselmeyer, ne peut pas dire qui elle est à Mytho, pas plus que lui avouer son amour, sinon elle meurt. Ahiru découvre ensuite petit à petit que Drosselmeyer est le nom d’un écrivain mort il y a longtemps, qui a laissé son dernier conte inachevé… Conte qui doit se terminer coûte que coûte. Et si elle -ou plus précisément Tutu- en était un personnage?

On pense à plusieurs contes de prime abord pour situer cet anime, quasiment tous d’Andersen. Le premier qui m’est venu à l’esprit est La Petite Sirène, par la nature du “pacte” entre Drosselmeyer et Ahiru, qui fait furieusement penser à celui entre la petite sirène et la sorcière, avec les mêmes effets et la même sanction (oui, dans le conte original, la petite sirène se transforme en écume si elle n’épouse pas le prince et le conte se finit très, très mal). Est ensuite venu le ballet le Lac des cygnes, à cause de la transformation canard/humaine. Enfin, le conte Le Vilain petit canard (toujours Andersen), par l’aspect transformation en Princess Tutu, car elle évoque un cygne. Pour moi, le conte/ballet le Lac des cygnes vient après La petite sirène car j’estime qu’il en reprend plus d’éléments, notamment le pacte cruel. D’ailleurs je n’aime pas La petite sirène à cause de ça, je trouve qu’Andersen est un connard cruel, car il fait souvent le coup, notamment avec La petite fille aux allumettes. Je préfère largement les contes de Grimm, plus vivants :3

Puis, rapidement, j’ai pensé à Coppélia/le Marchand de sable d’Hoffmann, un conte de son recueil Contes nocturnes. Pourquoi? A cause du thème de la poupée, de l’illusion, du fantastique et du mensonge présent dans ce conte et dans l’anime. Hoffmann et son conte L’homme au sable a inspiré pas mal d’artistes à sa suite, notamment Léo Delibes avec le ballet Coppélia (qui aurait inspiré Tchaïkovsky pour le ballet du Lac des Cygnes… gagaaa @_@) et Offenbach avec son opéra Les Contes d’Hoffmann (L’homme au sable est conté dans la 2ème partie) et puis… Neil Gaiman (OWI) pour son comics The Sandman. Hoffmann aurait par ailleurs inspiré Andersen pour ses contes, dont ceux cités au-dessus car il a grandement influencé le mouvement romantique qui se développait à l’époque. Rapidement aussi, j’ai pensé à Casse-noisettes de Tchaïkovsky, ballet lui aussi inspiré d’une histoire du recueil Contes nocturnes, pour l’intrigue de Princess Tutu.

L’homme au sable dépeint l’attirance/répulsion du narrateur, Nathanael, pour Coppelius, homme dont il a peur (le fameux “homme au sable”) et qu’il rend responsable de la mort de son père quand il était enfant. La description du personnage dans le conte correspond d’ailleurs parfaitement à celle du personnage de Drosselmeyer dans l’anime : “Picture to yourself a large broad-shouldered man, with an immensely big head, a face the colour of yellow-ochre, grey bushy eyebrows, from beneath which two piercing, greenish, cat-like eyes glittered, and a prominent Roman nose hanging over his upper lip. His distorted mouth was often screwed up into a malicious smile; then two dark-red spots appeared on his cheeks, and a strange hissing noise proceeded from between his tightly clenched teeth.” (je n’ai pas trouvé de traduction française facilement accessible, la traduction anglaise du conte est dispo par là). Coppélius est un homme dérangé, qui essaie en vain d’utiliser le garçon et prendre ses yeux pour ses funestes expériences de marionnettes… Je vous laisse imaginer le personnage, cruel et gothique, dans le sens romantique du terme. Des années plus tard, il rencontre un certain Giuseppe Coppola, qui vend des lentilles et lunettes, qu’il estime être le “sandman”, l’homme au sable qui a tué son père. Il décide de rendre visite à un de ses amis, le professeur Spalanzani, et découvre une jeune femme, Olimpia, assise sur une chaise. Il en tombe amoureux, au point d’en oublier sa fiancée Clara. Quand il se rend compte qu’Olimpia n’est qu’une poupée, il devient fou… Grand traumatisme de ma jeunesse, L’homme au sable et son obssession pour les yeux (qui sont la vitrine de l’âme, comme le dit le philosophe) m’a vraiment foutu la frousse et je ne peux relire ce conte sans avoir un arrière-goût métallique en bouche.

Hoffmann a aussi écrit Casse-noisette et le roi des souris, conte qui a inspiré le célèbre Casse-Noisettes de Tchaïkovsky. Casse-noisette, au lieu d’être sombre et tourmenté comme L’homme au sable, est au contraire féérique et optimiste, malgré les points de ressemblance entre les deux contes.
Au cours d’une soirée de noël, rassemblant une famille et leurs deux enfants, Marie et Fritz, un homme appelé Drosselmeyer arrive soudain pour distribuer des cadeaux aux enfants, dont un sublime casse-noisettes. Sa description, suivant la traduction de Dumas, correspond aussi un peu à celle de Drosselmeyer dans l’anime : “Parrain Drosselmayer, conseiller de médecine, n’était pas un joli garçon le moins du monde, tant s’en faut. C’était un grand homme sec, de cinq pieds huit pouces, qui se tenait fort voûté, ce qui faisait que, malgré ses longues jambes, il pouvait ramasser son mouchoir, s’il tombait à terre, presque sans se baisser. Il avait le visage ridé comme une pomme de reinette sur laquelle a passé la gelée d’avril. À la place de son œil droit était un grand emplâtre noir ; il était parfaitement chauve, inconvénient auquel il parait en portant une perruque gazonnante et frisée, qui était un fort ingénieux morceau de sa composition fait en verre filé.” Marie, l’héroïne, reçoit un beau casse-noisettes, mais son frère Fritz le casse (pour ceux qui ont écouté le ballet, c’est le moment du gros “pan” au début).
Le soir, elle fait coucher son casse-noisettes dans sa chambre. Aux douze coups de minuit sa chambre se fait envahir par les souris, suivies par le roi des souris, qui veut battre une fois pour toutes Casse-noisette, le casse-noisettes qui pour l’occasion se transforme en un beau jeune homme plein de fougue et d’ardeur (need yaoi plz lol). Ils se battent car en sauvant la princesse du royaume des poupées, Casse-noisette a tué la mère du roi des souris. On apprend ensuite l’histoire de Casse-noisette, qui a pour vrai nom Nathaniel Drosselmeyer et est cousin du parrain Drosselmeyer. Nathaniel était le seul à pouvoir casser la noisette qui maintient la princesse du royaume des poupées sous un enchantement la rendant hideuse, causé par la reine des souris….

Que vient faire Princess Tutu dans tout cela?

Déjà, par les noms des épisodes, faisant entre autres directement référence aux contes, opéras et personnages imaginés ou inspirés par Hoffmann.

Les personnages ensuite. Drosselmeyer est visiblement repris du personnage figurant dans Casse-noisette, mais si le Drosselmeyer de Casse-noisette est plutôt bienveillant et cherche à aider Marie pour qu’elle termine le conte, celui de Princess Tutu fait plus penser au Coppélius de l’Homme au sable, son pendant maléfique… La disparition puis la réapparition du Drosselmeyer dans Princess Tutu fait penser à celle de Coppélius, qui disparaît puis revient pour tenter de finir son oeuvre : dans un des cas sa poupée, dans l’autre le conte.

Le thème de la poupée mécanique est aussi abondamment utilisé dans Princess Tutu, faisant référence à Coppelia/Olimpia. De façon directe, comme par exemple via les personnages d’Edel, automate dotée de parole qui guide Ahiru vers son destin, ou Uzura, automate (2ème partie) qui ne sait dire que peu de paroles, mais qui participe plus activement au dénouement de l’anime dans sa propre quête de l’amour.
Le thème de la poupée est aussi abordé de façon symbolique. Ruhe/ Krähe, manipulée par son “père” le Roi Corbeau, est un personnage faisant penser à la fois au cygne noir du ballet le Lac des cygnes, mais de façon ironique, et à la pauvre Olimpia/Coppélia, tant elle se fait utiliser à la fois par Drosselmeyer et son “père” corbeau qui la manipule, en lui cachant son passé. Tout comme Ahiru sous Princess Tutu, manipulée par Drosselmeyer sans le savoir, qui ne peut dire ce qu’elle veut et devient dans l’épisode 23 une poupée sans parole, coincée au milieu du conte par son auteur. Mais on peut penser cela de quasiment tous les personnages principaux, dindons de la farce qui se joue derrière eux mais dont ils voient les conséquences au quotidien. Mytho, Ruhe et Fakir dansent, de façon propre comme figurée tels des poupées (ils sont les trois meilleurs danseurs de l’école de danse), des marionnettes mécaniquement assemblées et dirigées, vers leur destin qu’ils ne peuvent éviter… Ahiru ne danse pas comme les autres, mais Princess Tutu, incarnation “parfaite” du petit canard, danse aussi parfaitement, mécaniquement, et amène lentement tous les autres personnages au désastre. Le fait qu’Ahiru danse en scène finale (ouaaaah le spoil, l’autre eh) sous sa forme de canard en laissant transpirer ses émotions, une caractéristique humaine et inimitable par une machine, même parfaite, brise la mécanique du conte.

Dans plusieurs épisodes, dont l’épisode 23, nous pouvons voir les rouages du conte, qui font aussi penser à une horloge. Dans les contes d’Hoffmann, la mécanique (horlogère) est importante, que ce soit dans L’homme au sable ou Casse-noisette. Dans Casse-Noisette, la grande horloge de la chambre de Marie est au début du récit dirigée par Drosselmeyer. Il en actionne les aiguilles pour faire sonner minuit, permettant à la mécanique du conte de Casse-noisette de commencer. Le thème de l’horloge est repris également lors des apparitions de Drosselmeyer version anime, qu’on voit souvent accompagné d’une grosse horloge (du genre ancienne et à balancier) à sa taille, dont il sort et entre pour apparaître ou disparaître physiquement. Ses apparitions “fondues” dans le décor font aussi appel à un balancier d’horloge, qui rythme ses interventions. C’est, tout comme je le disais plus haut, une référence directe à Casse-noisettes, puisque le Drosselmeyer de ce conte est avant tout un horloger et répare les horloges de la maison familiale de la petite Marie.
J’allais aussi oublier la tour de l’horloge qui rythme l’anime par sa mélodie mécanique faisant penser à une berceuse que l’on fait écouter aux enfants avant de s’endormir. Elle n’est pas un personnage à proprement parler, mais prend une importance particulière au fur et à mesure du déroulement de l’anime, dont on voit les rouages.
Les rouages font aussi penser aux automates dont Coppélius et Drosselmeyer de Casse-noisette raffolent et qui en font de très ressemblants aux humains, dans le but d’atteindre la perfection : l’humain animé et vivant, la poupée idéale, manipulable à volonté, qui fait uniquement ce qu’on lui demande.

Mais malgré tout l’apport de L’homme au sable, Princess Tutu fait plus penser à Casse Noisette pour le côté féérique de son histoire. Le prince Mytho, le chevalir Fakir, Ruhe en princesse corbeau rivale d’Ahiru en cygne, font penser aux petits personnages qui animent ce conte et le ballet par la diversité des situations. L’histoire de malédiction emprunte par contre aux contes d’Andersen, admirateur de Hoffmann comme on l’a vu précédemment. Le double niveau de compréhension de Casse-noisette entre les personnages réels et les personnages qui s’animent la nuit se retrouve aussi dans Princess Tutu, avec les diverses transformations que subissent les personnages. Ahiru en est le plus éclatant exemple, avec sa transformation de canard en cygne, qui double sa transformation magical-girl-esque de fille en Princess Tutu.

Pour finir, je ne sais pas si c’est un clin d’oeil, mais le fait que Drosselmeyer version anime meure avant la fin de son oeuvre fait penser à Offenbach, qui a créé l’opéra Les Contes d’Hoffmann. Il ne put malheureusement pas le finir puis qu’il décède bien avant l’achèvement de l’oeuvre, continuée ensuite par Ernest Guiraud. L’opéra Les contes d’Hoffmann reprend le conte de L’homme au sable, sous le nom Olympia…. Hum.

Il y aurait encore des tonnes de choses à dire sur cet anime… Hoffmann m’a paru l’angle d’attaque le plus facile pour moi car j’ai pu lire un de ses contes qui m’a suffisamment marquée pour que je m’en souvienne. Je l”ai retrouvé dans l’anime, intriguée par les titres des épisodes et les musiques jouées. Je suis sûre que je n’ai pas creusé tout ce qu’il y avait à creuser pour en extraire la substantifique moëlle ; je n’ai même pas parlé de la signification des noms des personnages, my bad.

PS : J’espère aussi que cet article ne tombe pas trop à côté de la plaque

PPS : merci à Patchouli pour m’avoir posé le nez sur Offenbach, je serais passée devant une info utile :3

Que regarder/lire/écouter à 5h du matin? Etant donné que j’ai un peu la gueule déchirée tout de même, on va éviter les animes un peu violents ou l’écoute d’un bon vieux Strapping young lad, parce que c’est migraine assurée. Pi je suis encore un peu engourdie, alors autant en profiter pour éviter de se fouler un muscle, donc adios Pérusse.

En audio, je commence soft, avec l’OST des 12 Royaumes, version calme. Un petit opening version piano, puis la chanson de Shokei et enfin le thème de Rakushun, ça fait du bien :3 Les OST des 12 Royaumes, chères à mon petit coeur de fangirl, regorgent de petites pistes très douces écoutables à divers moments de la journée, je les aime entres autres pour cette raison (et puis la musique est quand même très belle, nanmého.).
Quand je n’arrive pas à dormir, l’OST de Samourai Champloo est aussi assez efficace, avec des pistes très calmes et sympas pour les oreilles, le but n’étant pas de se réveiller mais au contraire de s’endormir à terme.
Pour le reste, j’apprécie aussi beaucoup diverses pistes calmes des OST de Yoko Kanno et d’autres morceaux divers et variés, dont un en particulier de Monster Magnet (oui, oui, on avait dit pas de metal) qui est vraiment bien *_* : Your lies become you. D’ailleurs Monster magnet est en concert au Hellfest cet été, allez les voir, ils le méritent.

Les lectures que je m’offre quand j’insomnise sont assez diverses, mais toutes tournent plus ou moins autour du shojo et du yaoi un peu sucré, niais et où il ne faut pas se fouler un neurone. En yaoi, j’aime plus particulièrement relire Wild Rock, que je trouve génial à lire avec le cerveau éteint et plein de bonnes phéromones qui inondent tout le bordel. Des one-shot comme Cafe latte rhapsody, Color ou des séries comme Love Mode (le début surtout) sont aussi assez géniaux pendant une nuit hachée. En shojo, j’aime relire Emma (ok, c’est un josei, et alors :p), qui est très reposant, très choupi et envoie plein de signaux positifs à mon cerveau : “bon, maintenant, si tu pouvais aussi rêver de ça, ce serait bien”.
Sinon, quelques petites exceptions shônen comme I’ll ou Yuyu hakusho sont aussi très sympas en temps d’insmonies. Ne me demandez pas pourquoi Yuyu Hakusho, vu qu’il y a pas mal de combats et que ça saigne pas mal, mais je les relis de temps en temps tête reposée et ça fait toujours du bien. C’est vrai que l’auteur a un sens de l’humour que j’aime bien et qu’il y a pas mal de bogosses dedans. D’ailleurs, j’ai eu plein de doujin yaoi de cette série entre les mains, avec principalement des pairings YusukeXKuwabara (n’importe quel sens) et KuramaXHiei (n’importe quel sens). Je n’approuve pas trop les pairings, mais les KuramaXHiei étaient vraiment trop mignons dans certains doujins. Passons.
Pour I’ll, bah… J’aime vraiment beaucoup ce manga, qui m’a toujours accompagnée dans tous mes déménagements étudiants. Letter bee m’a déçue en comparaison :/. Mais il faut que je lise la suite, voir si ça s’améliore comme I’ll, qui met du temps à démarrer.

En animes, euh… Je ne regarde pas souvent d’animes quand je suis en période insomniaque. Tout simplement parce que je m’explose les yeux dessus de façon générale, tellement les couleurs sont trop souvent criardes. J’ai des petits yeux fragiles, très myopes et très sensibles aux couleurs, donc je fais assez gaffe. En plus l’audio est en général frénétique et les dialogues me percent des tympans encore à moitié endormis, pi je connais moins bien le monde des animes que celui du manga c’est pour cette raison que je me mets le plus souvent à la lecture (si vous avez des suggestions, je prends).
Exception à la règle, j’ai bien apprécié Pale Cocoon, calme, lent, qui me rappelle un peu mon travail (je suis archiviste), tout en le mettant en perspective dans un monde futuriste où quasiment toute archive du passé a été perdue. Ca, j’aime.

Bon, ben il est déjà 6h du matin… Mon chéri vient de se lever, j’ai entendu le camion-poubelle passer, damned yé souis couite pour me recoucher >_<

*edit* Waaah, j’ai des cernes trop cool! Un petit pull blanc, un jean et hop je fais un cosplay L sans aucun problème \o/

Non pas parce que ça parle de sous-vêtements, après tout Lingeries office le fait aussi (quoi? c’est du hentai? On m’dit jamais rien à moi ;_;) en pas trop mal. Après tout, quand on est une fille on en met tous les jours (et on en change tous les jours) donc aucun problème et on en parle parfois aussi entre filles. Non, ce qui m’embête dans cet anime, c’est que ça se passe avec des gosses en première année de collège. Dont l’héroïne qui mettait déjà des porte-jarretelles en école primaire. Banal, me direz-vous. Personnellement j’en doute. Déjà parce qu’à mon avis mettre des porte-jarretelle à 12 ans n’est pas franchement évident vu les tailles des bas et porte-jarretelle proprement dits et que euh… la sexualisation des enfants et surtout de jeunes filles de 12-13 ans, c’est pas ma tasse de thé.

En fait pour moi cette série sur un point de stricte crédibilité a raté sa cible : c’est au lycée que l’action aurait dû se passer, avec des filles plus mûres (mouhahahahaha par ici les gros seins moelleux et douillets qui font pouic pouic *_*).
En plus, parler du corps qui change (et que ce n’est pas sale, toussa), c’est bien, mais parler de sous-vêtements “adultes” directement comme les personnages le font dans la série, c’est juste O_O. Entre les séances de pelotage de nibards plusieurs fois en 26 minutes, de matage de petites culottes avec renfoncement là où il faut (mais si, vous savez, la petite dépression à cet endroit-là…), de froufrous et de peau nue exhibée à longueur d’épisode, c’est trop, beaucoup trop. Surtout avec le design “mignon” des filles et les attitudes enfantines qu’elles prennent toutes les deux minutes. J’ai moyennement ri aux passages “yuri”, même si c’est bien vu eu égard à la situation. En bref, cette série n’est pas pour moi. Mais pour les vrais, les purs, les amateurs de séries bizarres et peu regardants sur le scénario proprement dit. Perso, dans cette série, j’en ai vu seulement un brin en 2 épisodes : le moment du “on va faire un club!” avec un vague relent de déjà-vu.

Au final, cette parlotte décomplexée sur les culottes et les soutifs est plus destinée à un public qui aime mater les filles. Donc en priorité à des garçons. Pfff… Je ne regarderai pas la suite, même si l’épisode 2 annonce un développement typique de la romance shojo. Ce n’est pas parce qu’on ne doit pas parler de soutifs, mais que si c’est le but recherché, j’estime que la méthode est très discutable. Tant pis, je resterai puuuuuuuuure et chaaaaaaaaaaaste o/

Ce soir, au lieu de la suite de la critique de l’anime, nous allons parler du personnage le plus bizarre et le plus décalé de Princess Tutu : Monsieur Chat, ou Neko Sensei dans la version originale. Attention, article garanti 100% sueur, mariage et chaussons de danse. Accrochez-vous!

Monsieur Chat est le seul professeur que l’on voit dans l’anime et il donne à la fois cours aux débutants tels qu’Ahiru, l’héroïne, qu’à Mytho, Fakir et Ruhe, les trois meilleurs élèves de l’académie de danse. Monsieur Chat sait tout faire, connaît ses ballets par coeur, a des yeux derrière le dos comme tout professeur et danse apparemment très bien.

Pourtant, un premier détail le distingue des personnages principaux :

Oui, c’est un chat. C’est bien pour ça qu’il est nommé Monsieur Chat et qu’il est professeur de danse (les chats sont très souples, surtout les lolcats) : je sais, la première fois, ça fait un choc. On le voit peu dans la série mais son passé est un peu dévoilé dans un épisode et on apprend qu’il a été dans sa jeunesse l’élève d’un grand maître qu’il admire beaucoup et dont il suit les principes de vie. D’ailleurs il a un petit rôle à jouer auprès de nos héros : sans s’en rendre compte, il guide Fakir en lui parlant ballet et redonne espoir à Ahiru qui est complètement démoralisée par la tournure des évènements de la deuxième partie de la série.

Mais Monsieur Chat ne serait pas Monsieur Chat sans sa particularité spéciale…. En effet, il passe son temps à demander ses élèves de sexe féminin et tout particulièrement Ahiru en mariage. On peut donc régulièrement le voir développer tout d’abord une aura bleue bizarre (de chakra?), puis se couvrir de sueur et commencer une déclaration enflammée sur la musique de la Marche nuptiale, issue de l’ouverture Songe d’une nuit d’été que connaissent bien les joueurs des Sims.

C’est en général très drôle (la musique de la Marche nuptiale est à l’origine un morceau parodique qui se moque du mariage), mais quand même assez flippant quand il est à fond dedans…. Surtout pour Ahiru, qui essaie de s’enfuir ou de le couper quand il commence son délire.

Bien évidemment, il n’arrive jamais à finir ladite proposition (il se prend souvent un bon gros vent avant de pouvoir terminer) et il se défoule en faisant des trucs typiques de chat : se gratter l’arrière de la tête, se rouler par terre….

Bref, Monsieur Chat, c’est le deuxième meilleur personnage de la série Tutu, la série qui tue. Parce que Fakir, il a trop la classe. Monsieur Chat, c’est par contre le meilleur pour faire des grimaces trop horribles qu’elles font peur xD

Là, y’a du level.

Je n’aurais jamais pensé quand j’ai commencé ce blogue et ce même en rêve, de faire un article avec une princesse et un tutu dedans. Et encore moins en faire mon titre. Parce que mon blogue a pour fonction de promouvoir des mangasses et animesses pas niais pour filles, espèce assez rare et apparemment pas trop mise en avant dans nos vertes contrées tellement le mangasse et animesse de filles neuneu est prédominant. C’est d’ailleurs une situation un peu préoccupante : le shojo a la cote parce que les éditeurs se sont aperçus que le public féminin est devenu valable pour se faire des sousous, mais on se coltine toujours des manga et anime un peu niais et sans saveur. Ce n’est pas la production yaoi (un secteur que je connais un peu mieux ) qui relève le niveau, loin de là : sortir les manga et OAV de No Money est une démarche commerciale qui a une certaine validité, mais du point de vue éthique c’est pas trop ça (shota…), sans parler de la myriade de one-shots débiles qu’on ne regretterait pas si ils n’étaient jamais sortis.

J’essaie de faire un peu la part des choses en faisant avec mon côté fangirl qui me commande d’acheter tout le yaoi qui passe, mais critiquer positivement un manga pourri, je ne peux pas.

Donc, si je parle d’un tutu et d’une princesse sans me moquer grassement, rassurez-vous, point de neuneutisme délibéré de ma part ni de lobotomie réussie à l’horizon. Et le premier qui rigole à cause du titre, je lui tape dessus avec une massue à clous rouillés après lui avoir expliqué qu’il a raison.
C’est vrai, le titre n’est pas franchement vendeur et ne donne pas envie de voir la suite, c’est d’ailleurs la raison principale qui m’a gardé de voir cette série pendant plusieurs années. Le mot “tutu”, pour moi qui ai fait de la danse classique comme j’ai pu pendant trop longtemps, est synonyme d’anime très casse-gueule où on prend un tutu pour un justaucorps (et inversement) et où l’héroïne sue son sang à grosses gouttes pendant 20h de manière virile et finit à l’hôpital pour fracture du bassin parce que son coach n’est pas satisfait de son grand jeté qui n’est pas aussi plat qu’il le devrait (vous avez lu Subaru?). A son tour, le mot “Princess” évoque pour moi un truc vaguement guimauve avec dentelle moche, cheveux au vent, sourire Scotch-brite et roses de fond façon Très cher frère avec une histoire à dormir debout pas du tout crédible (attention, celle de Très cher frère déchire tout. Lisez ce manga. Il faut juste faire attention aux roses de fond, elles sont traîtres.).

Deuxième désavantage : les couvertures. Ouais, ça fait culcul, façon Doremi, avec de belles couleurs layette qui vous fait un peu passer pour un lolicon qui fait des achats graveleux (si vous êtes un garçon) ou une attardée mentale (si vous êtes une fille). Elles sont mieux que celles de Dragon Ball, c’est déjà bien. Mais bon, l’image de la série est un peu plus écornée par les jaquettes qui ne donnent pas du tout envie.

Bref, les deux ensembles devaient forcément finir par faire un gros clash en très moche version layette, très guimauve et très sudoripare : eh bien non. Princess Tutu, c’est tout simplement, pour reprendre les paroles de quelqu’un que je connais, un anime qui tue. On pourrait aussi, comme je le fais depuis le début de l’article, multiplier les qualifiquatifs élogieux : génial, merveilleux, puissant, inspiré, intelligent, drôle, poétique, mignon, dramatique, plein de plumes, touchant, magnifique, mais je n’en ferai rien (comment ça, c’est déjà fait? Ah ben tant pis ).

Depuis, j’ai sauté le pas et je n’ai vraiment pas regretté. Passé les premiers épisodes un peu intrigants et quand même beaucoup axés sur la danse (j’ai fait de la danse classique étant plus jeune, nostalgie <3), la série réussit à m'envoûter de par son histoire de conte de fées, qui prend ensuite toute son ampleur dans la seconde partie. Car j'adore les contes de fées (j'en relis encore de temps en temps) et on retrouve dans cet anime tous les mécanismes narratifs qui font les contes réussis.

Mais surtout, j'ai appris une maxime essentielle : quand des copines yaoistes fanfiqueuses fangirlisent sur une série, c'est qu'elle est à voir. En effet, depuis aujourd’hui j’ai appris un nouveau slogan : VIVE FAKIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIR! \o/*envoie de petits coeurs roses en papier virevolter dans le vent*\o/

Il faut que je retrouve celles où il est tout mouillé.

….. Mais non, je ne suis pas une fangirl dérangée.

*tousse*